El concierto se ralizará de manera gratuita, a las 6:30pm, y con acceso limitado.

Hontelé es trompetista holandesa de nacimiento y colombiana de corazón. Ha renovado de forma sensacional la estética de la mujer y su papel en la música.

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Desde muy niña andaba por Caracas con un cuatro entre las manos, ensayando lo que de grande sería: una de las voces más importantes de la música popular venezolana y latinoamericana.

Cecilia Todd celebra este mes 45 años de una trayectoria en la que siempre logra transmitir un aura dulce y alegre, y la energía incansable por proyectar la cultura popular.

Acaba de terminar la grabación de un documental que reunirá ocho temas imprescindibles de su carrera, entre ellos A tu regreso, nombre con el que bautizó en 1988 una de las 10 producciones que integran su discografía, y que ahora sonará con la Orquesta Filarmónica Nacional (OFN).

¿Qué se siente llegar a los 45 años de trayectoria?

El tiempo ha pasado demasiado rápido y aún no me lo creo. Estoy muy contenta porque he dedicado más de cuatro décadas al trabajo por nuestra música popular y eso me hace sentir completamente satisfecha.

¿Ha sido un camino difícil?

Mi estrategia ha sido alimentar la magia. Cuando estoy en el escenario me intereso por lograr un trabajo profesional, sin improvisaciones. La emoción de estar con el público, de encontrar la compenetración ideal entre los músicos y las canciones, de saber de dónde viene cada melodía, cómo suena y trasladar todo eso a un espacio físico ha sido mi forma de encontrar la magia musical.

¿Cuál ha sido el momento más gratificante en toda su carrera?

Definir un momento es imposible. Es como pedirle a un padre con muchos hijos que se decidiera por uno en particular. Lo gratificante, tal vez, ha sido llevar mi música a destinos de todo el mundo, como Japón y Filipinas, por ejemplo, donde aprecian nuestra música y la conocen muy bien. En otros países la música venezolana y latinoamericana es muy bien recibida y valorada.

Acaba de grabar un documental de aniversario con la OFN…

El documental lo terminamos de grabar justamente la semana pasada. Se presentaron muchos obstáculos, sí, pero los superamos. A más tardar en marzo estaremos presentando este trabajo que cuenta con la participación de grandes amigos como el Grupo Raíces, Vidal Colmenares, Ismael Querales, Manuel Rangel, Héctor Molina, Iván Pérez Rossi, Gualberto Ibarreto y Cheo Hurtado. Esta fue una idea del productor Alejandro Yépez quien siempre quiso grabar un documental sobre mi trayectoria y, bueno, aquí está.

Además del documental, ¿prepara otros eventos para continuar con la celebración?

Sí, estoy planificando un concierto de música navideña que, claro está, será en diciembre, aunque todavía no hemos fijado el lugar. Esta música es imprescindible en mi vida porque fue con nuestros aguinaldos tradicionales que inicié el camino por la música. Cantar aguinaldos para mí es una experiencia única, una forma de viaje emocional que me hace feliz.

¿Después de estos 45 años vienen más décadas de música?

¡Pero, claro! Yo no puedo dejar de cantar. Dejar de hacerlo sería como dejar de respirar y ¿quién puede vivir sin respirar? (Risas). Mientras esté viva y de pie seguiré haciéndolo y dando lo mejor de mí. La música forma parte de mi ser. El canto es todo lo que soy.

Fuente: Últimas Noticias

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Malcolm Young, guitarrista y uno de los fundadores de AC/DC, murió este sábado a la edad de 64 años, según ha informado la propia banda en su página de Facebook.

“Malcolm, junto con Angus, fue el fundador y creador de AC/DC. Con una enorme dedicación y compromiso, fue la fuerza detrás de la banda. Como guitarrista, compositor y visionario era un perfeccionista y un hombre único“, puede leerse en la página oficial del grupo.

AC/DC, la banda que popularizó canciones que se convirtieron en auténticos himnos, como Highway to hell, Back in black, TNT o You shook me all night long, ha lamentado el fallecimiento de su guitarrista, diciendo que Malcolm Young “deja atrás un enorme legado que vivirá para siempre”.

Malcolm Young había dejado la banda en 2014, cuando le diagnosticaron una demencia. Desde entonces descansaba en Australia junto a su familia. Su lugar en AC/DC fue ocupado por Stevie, sobrino de Young.

Fuente: Últimas Noticias

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Limitarse a un solo instrumento fue liberador para el músico laureado con un Oscar y dos Latin Grammy, quien compite esta semana por otro gramófono dorado.

“Todo lo que suena en el disco, todo absolutamente proviene de la voz o de la guitarra, lo cual no deja de ser un capricho y una curiosidad. Pero yo creo que la curiosidad es muy buena en una disciplina creativa y el capricho es un derecho, tenemos derecho a fijar unas normas de juego nuestro en este juego que es hacer discos”, señaló.

En piezas como “Silencio” con sus toques electrónicos, la bossa nova de “Abracadabras” con Julieta Venegas y los tintes caribeños de “Mandato”, Drexler hace olvidar que todo lo que se escucha es producto de estos dos instrumentos, haciendo que el ritmo se apodere del escucha.

Canciones como “Pongamos que hablo de Martínez” o “Salvavidas de hielo” con Natalia Lafourcade, en cambio, son extraídas directamente de la guitarra más tradicional de Latinoamérica. Y en medio de estas dos gamas de sonidos está el rock melancólico de “Asilo”, con Mon Laferte.

“Es el instrumento que tengo más amoldado al cuerpo de alguna manera”, dijo Drexler, quien toca la guitarra desde que tiene 10 años. “Aunque trabaje con computadoras y pueda hacer algunas otras cosas, inclusive está casi antes de cantar”.

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a cantar dulce y a morirse luego.
no:
a ladrar.

así como duerme la gitana de Rousseau.
así cantás, más las lecciones del terror.

Alejandra Pizarnik

Porque antes, o por encima, o más allá de las lecciones del terror, “cantando puedes sentir cosas que no sentirías ni estando un año de fiesta”.

Una fiesta para la niña triste del ladrido. Una fiesta de cumpleaños en un entierro. Una fiesta interminable de carnaval para Janis Joplin, y que la tormenta rabiosa y dulce de guitarras y sudor y neón barra el vacío en estampida.

Pero las lecciones del terror.

Ser la niña más rara del lugar queda muy romántico visto después, en la distancia brillante de los años y la leyenda. Pero la posteridad no existe; sólo el presente continuo en que sucede todo, mientras puede uno presenciarlo. Janis Joplin nació en un lugar donde el tiempo no iba a ser jamás el suyo. Por eso huyó: antes que para encontrar un lugar, para encontrar su época.

Trató antes de adaptarse; trató de ser lo que se esperaba de ella, lo que desesperadamente se pretende siempre, al principio al menos: ser aceptada por la tribu. Quería –contaba su hermana Laura en el documental Janis, little girl blue [Amy J. Berg, 2015]– ser como cualquier niña de clase media en los Estados Unidos de los años 50, como las niñas y las mujeres que veía en la televisión, en las revistas. Barbies perfectas esperando en delantal a los niños perfectos del colegio y al marido felicísimo de vuelta del trabajo (perfectísimo todo, perfecto…).

Ella no era nada perfecta, no casaba con ese delicado perfil, no soñó nunca en realidad con jugar a las casitas. Como instintivamente repelía a las que sí cumplían ese patrón (y casi todas querían cumplirlo), se unió muy pronto a una pandilla masculina, en el instituto, con la que frecuentaba locales de country y blues y (ella más que ninguno) buscaba alegremente pelea: si los hombres no la miraban, que al menos se fueran con un ojo a la virulé.

En la etapa final de la secundaria, a unos cuantos individuos se les ocurrió que sería muy gracioso condecorarla con el título del hombre más feo del instituto, foto de periódico por medio.

Aquello “la destrozó”, dijeron sus amigos mucho después. Pero es probable que fueran los pedazos de ese espejo-espejito mágico imposible los que afilasen la voz que rompería luego todos los cristales del llanto. A los 17 descubrió que podía cantar. Y en este caso no le hizo falta la corroboración de nadie.

Se fue, al cumplir los veinte, allá donde pudiera encontrar a “la gente que había escrito los libros y las canciones que le interesaban”. Adonde pudiera encontrar su época: California, 1963. Ya se había desatado el vendaval de la contracultura, abonando los beatniks un camino en el que parecían colisionar al unísono el Medievo y el futuro: los trenes en los que viajaba Bob Dylan de polizón, cruzándose con los caballos siniestros del Ku-Klux Klan. En California, años 60, “puedes hacer lo que quieras y nadie se mete contigo”. Tras un concierto de Dylan, la todavía anónima Joplin se acercó a él entre la multitud y le dijo: “Te amo. ¿Sabes que yo también voy a ser famosa?”. “Claro”, le respondió él, con su proverbial cinismo: “Todos seremos famosos algún día”.

Pero el oráculo aquel que bullía en el corazón de Joplin no iba a mentir. No era la fama exactamente lo que deseaba. Su “ambición”, escribió en una carta, no era “de fama o dinero”, sino de “amor”; el de encontrar su sitio, el de sentirse en casa. La fama (escandalosa), sin embargo, iba a ser inevitable, entre la fascinación popular y la crítica proclamando que se trataba de la mayor vocalista desde Aretha Franklin. Hacia 1967, 68, era ya casi tan famosa como Dylan, voz prodigiosa del coro en torno al cual toda una generación esperaba el alumbramiento de un seísmo social llamado a cambiar el mundo, pero que las drogas y otros demonios se encargaron de exterminar, como puntualmente suele ocurrir.¿No era la fama lo que deseaba? No de forma consciente, pero la soledad busca su redención, en voz baja, por entre el laberinto. Si la ambición era el amor, qué vía más expeditiva para ello que la aclamación, la corroboración de un espejo-espejito mágico e informe de muchos miles de rostros gritando que te quieren. Actuar era como “hacer el amor” con todos esos miles al mismo tiempo, decía. Y la depresión post-polvo, directamente proporcional. El escenario le hacía sentir que era “alguien”, según otra amiga. Bajar de él, entonces, regresar a la desolación de ser nadie: alguien a quien nadie mira –my unhappy, my unlucky, / my little girl blue. 

Y el irse a casa sola.

Por eso había que disfrazarse, casi de continuo; cada vez más conforme crecía la hidra de cien mil cabezas de la fama, confirmado ya el oráculo. (También le habían prometido fortuna y gloria los camaradas que la reclutaron para la primigenia The Big Brother Band and the Holding Company: eso les escribió a sus padres cuando huyó a San Francisco por segunda vez, en 1966, después de que un presunto prometido le destrozara de nuevo el espejo y el corazón; el infinitésimo desgarro. Por esa época, incluso trató de disfrazarse de modosa universitaria: como un Cristo con dos pistolas).

Coronada ya con su peluca azul y rosa, alzada en los tronos de Monterey (1967), de Woodstock (69), crecía sin embargo la sospecha de que “cuanto más te acercas a convertirte en una estrella, menos sentido tiene”, escribió a su familia, a los padres a los que lamentaba tanto haber “decepcionado”: ni todos los focos del mundo eran capaces, al parecer, de exonerar al matrimonio de la íntima vergüenza que les producía aquel monstruo escénico, patito feo convertido en cisne negro del rock’n roll. No eran dos generaciones; eran dos siglos distintos. Pero, antes que la aclamación de 25.000 almas, Janis hubiera preferido la de aquellos dos señores de Texas.

Volvió a su pueblo natal en 1970. Para asistir, contra todo pronóstico (¿ajuste de cuentas?), a una fiesta-aniversario de su promoción del instituto. Ante los medios de comunicación locales, la reina del rock acostumbrada a los baños de masas y a los platós de televisión parece estar a punto de derrumbarse tras la pecera doble de sus gafas como volutas de humo: ¿Qué es lo que más recuerdas de Port Arthur?, le preguntan. “No recuerdo mucho… Sin comentarios” –casi como una niña en la pizarra que no se sabe la lección–. ¿Eras diferente [del resto de alumnos]? “Me sentía apartada (…) No fui al baile de promoción… No, no me lo pidieron; no creo que quisieran llevarme… ¡Y he estado sufriendo desde entonces!”, zanjaba como exagerando, como ironizando. “Un médico le dijo a mi madre que si no me enderezaba acabaría en la cárcel o en el manicomio antes de los 21. Así que cuando salió mi segundo disco, mi madre me felicitó por no haber acabado así”.

Sólo un par de meses después, durante la grabación de su cuarto disco, fue hallada muerta (sobredosis de heroína, y alcohol) en su habitación de hotel en Los Ángeles. Tenía, por supuesto, 27 años. Por supuesto, estaba sola.

Dos años más tarde, muy poco antes de suicidarse, la poeta argentina Alejandra Pizarnik la saludaba, en una penúltima confesión, desde su cama de hospital, en Buenos Aires:

…hay que llorar hasta romperse
para crear o decir una pequeña canción,
gritar tanto para cubrir los agujeros de la ausencia
eso hiciste vos, eso yo.
me pregunto si eso no aumentó el error.

Casi al mismo tiempo, Leonard Cohen, que había coincidido con Joplin en otro hotel, el Chelsea de Nueva York, dedicaría a su recuerdo una de sus canciones más célebres, llamada así mismo, Chelsea Hotel –que conocería dos versiones distintas–. Rememorando en ella su encuentro sexual (extrañísima pareja), su corazón legendario, su manera de decirle en la cama: “Da igual; somos feos, pero tenemos la música”. Su manera de salir corriendo para no mirar atrás:

…Pero huiste, ¿verdad, nena?

Diste al fin la espalda al dolor.

Te esfumaste en el sueño más profundo,

subiendo en marcha al tren de medianoche.

Fuente: Ctxt.es

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Una ceremonia con marcadas referencias a México y Puerto Rico, azotadas por desastres naturales, se realizó la versión número 18 de los Latin Grammys en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas.

Sin grandes sorpresas, los premios terminaron en manos de quienes se esperaba, con Luis Fonsi ganando la Grabación del Año, Mejor Fusión/Interpretación Urbana, Canción del Año y Mejor Videoclip por “Despacito” y Juanes, con Mejor Álbum de Pop/Rock por Mis planes son amarte, rompiendo el récord de 21 gramófonos de oro que compartían con Calle 13.

Mon Laferte ganó mejor canción alternativa por “Amárrame”, quedándose con uno de los cinco premios a los que postulaba.

Revisa la lista de ganadores a continuación:

Mejor Álbum de Música para Niños
Marc Anthony for Babies

Mejor Fusión/Interpretación Urbana
Despacito (remix) – Luis Fonsi y Daddy Yankee con Justin Bieber

Mejor Álbum de Música Urbana
Residente por Residente

Mejor Canción Alternativa
Amárrame – Mon Laferte

Mejor Álbum de Música Álternativa
Jei Beibi – Cafe Tacvba

Mejor Álbum Folklórico
Musas (Un homenaje al folclore latinoamericano en manos de Los Macorinos, Vol. 1) – Natalia

Mejor Videoclip
Despacito – dirigido por Carlos R. Pérez. Luis Fonsi Daddy Yankee

Mejor Video Musical Versión Larga
Musas, el documental – dirigido por Bruno Bancalari. Natalia Lafourcade

Mejor Álbum Pop/Rock
Mis planes son amarte – Juanes

Grabación del Año
Despacito – Luis Fonsi

Mejor Canción Urbana
Somos Anormales – Residente

Mejor Nuevo Artista
Vicente Garcia

Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo
El dorado – Shakira

Canción del Año
Despacito – Luis Fonsi

Álbum del Año
Salsa Big Band – Ruben Blades

Fuente: ADN Radio

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legaban a la ciudad en autobuses verdes, se esperaban en los andenes y faltaban a clase para estar juntos. Escuchaban a Ismael Serrano y se impregnaban de esa triste belleza de sus canciones, de ese ansia brutal de volar por cualquier cosa, del desgarro y el secreto.

Ismael Serrano acaba de cumplir 20 años de carrera con un doble disco en directo, “Hoy es siempre”, que incluye un DVD de un concierto en Madrid. Uno de esos trabajos cuidados con sumo gusto, de producción sofisticada y creativa, y con un Serrano maduro, revivido, entiendo que en su mejor momento. En un punto, pasado y presente.

“Vértigo que el mundo pare, que corto se me hace el viaje”, musitaba él, y ella sonreía y se encendía un cigarro, y se abrazaba a su cuello susurrándole: “no te dejaré marchar”. Eran los días de vino y rosas, antes del resto de la vida y de las despedidas en los aeropuertos.

Un resumen, una idea, una parada solicitada: no se trata de un recopilatorio convencional sino de una multiplicación, actualizando sus mejores canciones (Papá, cuéntame otra vez, Vértigo, Pequeña criatura…), temas inéditos (Ven, Agua y aceite, Busco una canción…) y maravillosas versiones (Ojalá de Silvio, Las cuatro y diez de Aute, Y sin embargo, de Joaquín Sabina, esta última por encima de la media…)

Una vez le vieron en directo. Les pareció que Ismael Serrano estaba tocando en el salón de su casa, su primera casa, y se daban la mano, y se miraban, y sonreían, y a lo lejos creyeron oír a los Parra, cantando para ellos será mejor, que me vaya, ahí quedé, solo gritando y sin ti, y terminaban juntos cantando: “te recuerdo, Amanda”.

Ismael Serrano, con 43 años, lleva una carrera de escalonado ascenso, tranquila evolución paciente, algo muy difícil, para cualquiera, tras dos década de trabajo. Muchos de los de su generación se quedaron en el camino. De la canción de autor tipo, con sus dejes a lo Serrat, a cantarle a cajeras del super, desde la guitarra española a mezclarse sin prejuicios con la cumbia, el candombé y el reguetón.

A él le ponía al borde del precipicio escuchar sus canciones, con esa triste belleza premeditada, y se sumergía en una decadencia urbana, como versos de Rubén Darío, y optaba por apagar el radio-cassete del coche y marcharse. A ella, más práctica, todo le daba igual y le seguía. Y así pasaron un tiempo.

La vuelta de Ismael Serrano es la vuelta de un colega del barrio que empezó a tocar en el parque y ha terminado triunfando en América. Una carrera coherente, auténtica, con una voz propia forjada en el tiempo -es curioso escuchar cómo ha ido madurando la voz de Ismael hasta llegar a ser más áspera, arenosa, mejor…- La vuelta de un colega, ya digo.

Dejaron de verse como dejaron de escuchar los discos de Ismael Serrano. Llegaron los aeropuertos, las despedidas y, por último, una ausencia eterna. Él, lejos, en otro continente; ella de cajera en el Zara del centro.

Permeable, sensible, claro, activista, poeta… “Hoy es siempre” el título del disco es una cita de Antonio Machado -su obra está llena de referencias, citas y homenajes-. Y ahí sigue, hoy como siempre, en la agotadora y exitosa lucha por preservar ciertos sueños, la ilusión por cantar, los nervios al salir al escenario, la emoción del principio de algún modo que sigue presente…

Varias veces, desde entonces, han coincidido. Han hablado de cómo les va, de sus matrimonios, de sus benditas rutinas y se han reído recordando el pasado, los andenes y el secreto. La última vez que se vieron, terminaron haciendo el amor, porque a veces sucede que hoy es siempre, e impregnados de una belleza triste que aún les mantiene despiertos.

Escuchen a Ismael Serrano porque al paso del tiempo, a la nieve, siempre sobreviven las buenas canciones…, y, después, lo comentamos.

Fuente: La Opinión de Málaga

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1. Currucuchu

https://www.youtube.com/watch?v=T7kwm5dkV-I

2. Coroncoro

https://www.youtube.com/watch?v=0P8_NWbBFZw

 3. San Gregorio

https://www.youtube.com/watch?v=mbhekYvbdjU

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La canción es un punto de giro respecto a los sencillos que Chris Mosquera & Lado Sur habían publicado previamente. “Tenemos en esta nueva etapa, y en este videoclip, un poco menos de romanticismo y un poco más de cierta energía, de cierta rabia”, comenta Chris.

Explica: “mucha de nuestra música habla sobre la vida como un escenario susceptible de ser mejorado, pero con los años nos vamos dejando vencer por la resignación. El Silencio es una invitación a luchar por los sueños, a mantenernos inquebrantables: a pararnos del sillón y salir a pelear por lo que queremos”.

El Silencio fue lanzado recientemente en RPM Records, y su video, dirigido por Alejo Gómez, fue presentado a redes el pasado 5 de marzo. Durante 2016 Chris Mosquera & Lado Sur planea varias fechas: las dos mas próximas tendrán lugar en el tour Consulado Popular, junto a la dicha banda y durante la celebración de los 30 años de la Feria Internacional del Libro de Bogotá.

Chris Mosquera es periodista de profesión. Nacido en Paipa Boyacá heredó sus raíces musicales de sus abuelos y padres. De ahí que empezara su carrera como compositor y cantante. “Crecí en un ambiente donde la música y los libros eran esenciales. Mi padre murió cuando tuve once años recién cumplidos. Me dejó una guitarra y unos libros. Y a partir de Relato de un náufrago, Don Quijote, Cien años de soledad, Platero y yo y de las poesías de Neruda y Borges, me formé”, destaca el artista.

Grabado a la vieja usanza

Una de las cosas que distinguen la música de Chris Mosquera & Lado Sur es la filosofía de grabar sus canciones evitando procesos de edición extremos y afinaciones digitales. Desde 2014 todas las grabaciones del proyecto se han grabado en bloque (es decir, con todos, o la mayoría de músicos en conjunto, en una misma toma) y sin retoques de afinación para la voz. Esto con el fin de brindar a sus oyentes una idea de música natural y más cercana a una presentación en vivo.

El nuevo sencillo fue grabado y mezclado en los estudios TigoMusic, por Stefano Pizzaia, quien ha trabajado con artistas como Andrés Cepeda y Monsieur Periné. La canción fue masterizada por Carlos Freitas en Classic Master, uno de los estudios más importantes de Brasil y Suramérica en cuanto a masterización. “Durante la masterización del EP de Chris Mosquera, hubo varios momentos en los que me encontré haciendo un viaje sonoro por Colombia, con increíble estética sonora y letras marcantes”, afirma Freitas sobre la música de Chris.

Acerca de Chris Mosquera & Lado Sur

Chris Mosquera es un proyecto musical conformado por Yezid Barbosa (Bajo, contrabajo, voces), Paola Jaramillo (Violín, voces), Gustavo Barrera (Guitarra, voces), Y Gustavo Páez, que nació bajo la premisa de hacer “Canciones de bolsillo para todo tiempo y lugar”. En 2013 debutaron con un EP llamado Periferia, cuyos sencillos Milagro y Cuánto me gustas les abrieron puertas a diferentes festivales y presentaciones en las principales ciudades del país.

Con información de revistadc.com

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Para Vivanco las raíces más profunda de Cuba están en Santiago. En una entrevista realizada en mayo de 2015 con el canal RT dijo que “el cubano que conoce bien su isla sabe que en Oriente está la esencia de Cuba, la esencia de las artes y esto siempre se deja medio olvidado porque la capital siempre quiere ser lo más importante, tener lo más novedoso (…) En Santiago si no eres bueno no te aplauden, en La Habana aplauden a cualquiera”.

El primer reto de Vivanco en su carrera, fue mezclar los ritmos cubanos como el changüí, el son, el danzón, el cha chá, el pilón, el mozambique, entre otros, hasta encontrar una identidad propia con sus seis cuerdas.

En su inicios fue comparado con el cantante neoyorkino Lenny Kravitz . Respecto a ello, dice: “No me identifico con él. Es solo una referencia visual que tiene la gente (…) porque es un mulato”.

“No quiero parecerme estéticamente a nadie, aquí en Cuba están todos los condimentos para hacer una música diferente”, puntualiza.

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