En su sexta película como director, Suburbicon: Bienvenidos al paraíso, el popular actor George Clooney vuelve a mostrar preocupaciones e intereses que ya había manifestó en sus películas previas. Sobre todo una sostenida intención de incluir en la historia, a veces de forma ligera y otras de manera directa, anotaciones políticas o sociales que ponen en evidencia su propia mirada del mundo. Se sabe que Clooney es uno de esos miembros de la comunidad hollywoodense vinculado a cierto perfil progresista, junto a colegas como Sean Penn, Danny Glover, Susan Sarandon, Tim Robbins o el director Michael Moore, cuyas militancias fueron parodiadas en la comedia protagonizada por marionetas Team America: Policía Mundial (2004), de los creadores de South Park, Trey Parker y Matt Stone. Luego, el gusto por aportarle al relato algunos elementos de comedia que, en este caso, le permiten llegar a extremos de humor negro inéditos dentro de su filmografía. Claro que en este último caso no debe obviarse que el guion original es obra de los hermanos Ethan y Joel Coen, con cuyos trabajos esta película tiene tantos puntos de contacto como con los de Clooney.

Suburbicon se desarrolla sobre el cruce de dos historias que tienen como escenario un barrio residencial en los suburbios de una gran ciudad, a fines de los ‘50. Una se desarrolla en primer plano, aportando el tono general de la película, y la otra funciona como acotación un poco al margen que le sirve a Clooney para plantar aquellos elementos que permitirán releer la trama (y la historia reciente de los Estados Unidos) con un tono sociopolítico. En la primera una ideal familia blanca (papá, mamá y un niño), los Lodge, son víctimas de un robo doméstico de inusitada violencia, en el que la mujer termina siendo asesinada de forma injustificada. En la segunda, una familia negra (papá, mamá y niño) se muda a la casa de al lado de los Lodge, convirtiéndose en una mancha para la felicidad perfecta del barrio.

El relato de Clooney se enfoca en la vida de los Lodge, en la forma en que la muerte afecta al marido y sobre todo al hijo de la víctima. Pero el tono policial irá ganando peso, haciendo que aquella violencia que vino desde afuera (afuera de la familia, afuera del barrio y, por qué no, también desde afuera de la América blanca), de repente y por efecto de un golpe de guion empiece a revelar un origen interno. Claro que esta violencia cada vez más desatada al interior de la familia Lodge tiene un correlato en la violencia social que comienzan a sufrir sus vecinos negros.

A medida que avanza el relato Clooney comienza a alejarse del tono clásico elegido para la primera mitad de la película. Valiéndose de herramientas como el slapstick, un moderado uso del gore y algunos juegos de luces y sombras de raíz expresionista consigue, a veces de forma un poco forzada, que Suburbicon se convierta en una especie de fresco social grotesco que encuentra en el seno familiar (blanco, burgués, tradicionalista y cristiano: la clase media) el huevo de la serpiente estadounidense. Tal vez el principal inconveniente sea que el paso de un tono al otro se realiza de forma un tanto abrupta y la inclusión del humor negro que domina la parte final de la película, típicamente coeniano, parece más una irrupción que la consecuencia de una progresión dramática. Del mismo modo la subtrama que ilustra los padecimientos de la familia negra revelan pronto la artificialidad de su presencia, convirtiéndose en una anotación política demasiado obvia. Porque, como ya se sabe, no siempre las buenas intenciones son las mejores aliadas del cine.

Fuente: Página/12

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2008. Tiemblan los cimientos del capitalismo mundial cuando el mercado inmobiliario norteamericano se desploma. Reina la muerte financiera, cunde el pánico fiscal. Países enteros son arrastradosal torbellino de pérdidas. Hablamos de una de las grandes crisis económicas de nuestra era.

 The Big Short es un nuevo enfoque a la catástrofe, a estas alturas largamente comentada, diseccionada, deconstruida y analizada. Alocado, rimbombante y rocambolesco acercamiento a las entrañas de la bestia. Asistimos a los años previos a la crisis de manos de un grupo de inversionistas…particulares, cuando las señales aparecían pero solo ellos las veían. Luego se pone feo, pero el frenético ritmo y burlesco humor siempre acompañan, en efecto: reímos para no llorar.

The Big Short pretende explicar las causas de un complejo fenómeno macroeconómico con música de Gorillaz (maravillosa Feel Good Inc., por cierto) y lo consigue increíblemente gracias a un guion espectacular que logra hilvanar magistralmente parca terminología numérica con rupturas de cuarta pared, infinidad de conceptos económicos con cameos absurdos, conversaciones crípticas con chistes fáciles. Elementos opuestos o encontrados pero muy unidos. Tragicomedia en toda regla.

El enorme montaje sirve de escenario para un no menos brillante elenco: Christian Bale continúa consagrandose como un actor clave en la historia del cine moderno norteamericano. Steve Carell sigue demostrando que es mucho más que comedias estúpidas, poderoso personaje enfadado con el sistema. Ryan Gosling se mimetiza con la obra: destila personalidad por los cuatro costados aunque represente a un perfecto patán, imposible no engancharse.

Ciertamente el ritmo estilo montaña rusa puede llegar a aturdir. Tampoco se niegan ciertas descompensiones narrativas en una escena u otra (problemas personales de los protagonistas, por ejemplo). A partir de esto podría derivarse su principal crítica: ¿Qué fracasa en su propuesta porque resulta atorrante en su explicación? No, su objetivo es siempre demostrar o inclusive denunciar, las explicaciones son solo el medio. Miren, si hubieran querido explicarlo todo paso a paso lo hubieran podido hacer, pero no, la idea aquí es justamente hacer sentir al espectador perdido, ignorante, aturdido y hasta estúpido, justo lo que debieron sentir las personas que perdieron casas o empleos.

El halo de indignada denuncia que emite es siempre avalada por Mckay (en su soberbio trabajo) y capitalizada por el personaje de Carell. No puede ser que millones paguen con todo lo que tienen el desastre generado por la codicia de unos pocos, pero lo es y The Big Short no lo evita, lo muestra.

“Le echaran la culpa a los pobres e inmigrantes y continuaran haciendo lo mismo” dice Carell cerca de los minutos finales porque los inmuebles son finitos pero la codicia no tiene tanta suerte. La rueda debe seguir andando así no quede nada más que vender. Seca bofetada de realidad en la pobre mejilla del ingenuo. Eres un títere o un titiritero aunque los hilos en cualquier caso son siempre de dinero.

“Las delicias del capitalismo son, en realidad, los cimientos de la podredumbre de la sociedad moderna” dice Jose Arce. The Big Short pone eso en 130 minutos de chistes audiovisuales. Nunca fue tan divertido burlarnos de nuestra propia miseria.

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Spike Jonze pasó de dirigir vídeos musicales en MTV (cuando este le hacía justicia a su nombre) a escribir y dirigir el mejor guion original de 2013 con diferencia, casi nada. Her es un viaje inefable a un posible futuro de la sensibilidad humana, es una boda imposible entre lo real y lo intangible, una exploración compleja sobre la naturaleza del amor y las amenazas de un futuro artificialmente nocivo para la pureza del sentimiento máximo. Sólida en todos los sentidos, tanto en forma como en fondo, audiovisualmente impecable, con un excelente trabajo de Joaquín Phoenix en dar vida a un ultra sensible Theodore Twombly que simboliza nuestra naturaleza más emotiva.

Original, rompedora, vanguardista, temeraria y compleja así es la historia que narra Her y así es Samantha, el sistema operativo humanizado que seduciría a cualquiera con esa angelical voz de Scarlett Johansson pero en especial a un desconsolado Theodore que no puede superar la culminación de su primer matrimonio. Hundido en la soledad y la tristeza encontrará consuelo en esta entidad inmaterial que se comporta como la pareja perfecta hasta donde la realidad se lo permite.

A partir de aquí se despliega todo un relato minimista, detallista y frágil, pero no por ello menos intenso, complejo y trascendental. Se explora la naturaleza del amor como necesidad personal de satisfacción de querencias. Independientemente de si la fuente de cariño está presente o no (o en este caso: exista o no), se habla del peligro de la deshumanización en una sociedad regida por maquinas, donde las interacciones a larga distancia están subordinadas a las físicas, del dilema elemental humano sobre la posibilidad de fabricar vida y como interactuaríamos con esta vida artificial que nosotros mismos hemos creado.

Una producción inteligente y cuidada en todos los sentidos tanto en forma como en fondo: espacios, ambientes e indumentarias simplistas y reduccionistas estilo Apple. Joaquín siempre vistiendo de rosado para afincar su simbolismo sentimental humano, ese cabello siempre anárquico como queriendo representar lo abstracto inteligible del ser humano. Priman los colores claros y únicos (desde los afiches promocionales), estancias vacías, carentes de cables dominados por el orden, cobijados por una urbe futurista plagada de rascacielos iluminados. Sobre esta fachada elegante se narra una oda dominada por la mentira y como ella es fácilmente adoptada por nuestro psique en momentos de desestabilización emocional.

Her es en definitiva una experiencia que debe ser vivida por cualquiera, desde los más sentimentalistas/románticos hasta los más indiferentes solitarios. Una mezcla de romance y ciencia ficción que desde ya debe ser vanagloriada como lo que es: un nuevo paradigma dentro de su género que plantea preguntas demasiado complejas para nuestra época y aun así se atreve a responderlas. Es un viaje, una vivencia, una odisea de internalismo y aprendizaje, de verdad y mentira, de fantasía y realidad. Como dice José Arce en la Butaca.net: Una muestra de cuán lejos podemos llegar, sin llegar a ninguna parte.

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¿Qué harías si te dijeran que te quedan 30 días de vida porque eres VIH positivo?

Quizá pensarías que te están tomando el pelo, pero no… Fue un hecho que tuvo que enfrentar Ron Woodrof (Mathew McConaughey) en esta película basada en la historia de supervivencia y lucha constante por prolongar un poco más su vida.

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Logan muere al final de la película. Pero no es el hecho, si no lo que nos ha llevado hasta aquí, por lo que estoy escribiendo estas líneas. El universo cinematográfico de Marvel nos ha traído otra película de superhéroes, acción a borbotones y una clasificación (R) más elevada de lo usual. Que más allá de ser una excusa para ver más sangre, es usada en momentos adecuados para dar mas crudeza y realismo sobre la vulnerabilidad que resulta un superhéroe sin sus poderes.

Un superhéroe en esencia es un personaje con capacidades o habilidades sobrehumanas. En los cómics su mortalidad es cuestionable, pues en ella han muerto y renacido de unos artistas a otros. Ya ha perdido credibilidad el recurso de la misma, pues se han convertido en personajes necesarios para seguir vendiendo el producto artístico en el que habitan. Pero la realidad es otra, la juventud y los años han pasado ya sobre el único actor que ha mantenido este personaje desde que debutó en el mundo cinematografico, y aunque no es imprescindible un actor para llevar a cabo un rol, Hugh Jackman había decidido dar por concluida una etapa (17 años) como uno de los personajes más íconicos del mundo Marvel.

Parece que esta vez quisieron y tuvieron la libertad de hacer las cosas bien, lo digo en referencia al director James Mangold , que usó el drama correctamente para que no fuese una excusa para la acción como suele suceder en este tipo de películas. Aunque no es la mejor película de todas, la historia flaquea pocas veces, y logra mantener con credibilidad sus argumentos hasta el final. Paz es lo que desean alcanzar estos personajes en un mundo que ya no es lo mismo para ellos, pero puede que solo se alcance a través del sacrificio.

La actuación de Patrick Stewart (Charles Xavier) que parece ser la última como el personaje, es de las mejores en esta historia de 137 minutos, y la joven Dafne Keen (Laura López) aporta más con su actuación gestual a la película que con sus diálogos.

Lo demás queda a tu juicio, pero la fragilidad de un personaje que lucía invencible e inmortal y el no saber lidiar con las vicisitudes son lugares de encuentro para todo aquel que vive. ¿Huir o enfrentar?, ¿afectar o no a otras personas? son decisiones que todos hemos tenido que tomar alguna vez. Si una película puede dejarme esas sensaciones y preguntas después de verla, la recomendaré sin duda.

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En la película del director serbobosnio, Bellucci nterpreta a una mujer madura que vive una historia de amor fou con un serbio (el propio Kusturica) en plena guerra de los Balcanes para la que tuvo que familiarizarse con el idioma (ella que habla tres: inglés, francés e italiano) durante un rodaje que se prolongó durante cuatro años. “Tuve que practicar con un coach a mi lado todo el tiempo. Kusturica es un director increíble, muy creativo y la película es sobre el amor y la sensualidad que no tienen edad”.

El aspecto de Bellucci, tantas veces comentado, lo confirma. La actriz y exmodelo hace trizas el manido tópico de que una mujer no puede ser bella pasados los 50 años y deja definitivamente caduco el chiste de que, a partir de esa edad, uno solo debe desnudarse por prescripción médica, por si a alguien le quedaban dudas tras sus espectaculares fotos sin ropa en una piscina publicadas por Paris Match que incendiaron las redes. “Es lo mismo que he comentado sobre la película. Creo que ahora la vida es mucho más larga, para hombres y para mujeres, y tenemos por delante mucho más tiempo. La belleza no es una cuestión de edad, hay mujeres bellas en todas las edades. Y cuando pasa la juventud, hay otro tipo de belleza que es mucho más interesante para mi”.

Bellucci, cuyo estatus de estrella debe situarla entre las mejor pagadas del mundo, no rehuye hablar de la polémica sobre las diferencias de salarios entre hombres y mujeres en Holllywood ni en la vida real. “Las cosas están cambiando en las generaciones más jóvenes, pero aún hay que seguir luchando. Incluso en este oficio, en los festivales hay más directores hombres que mujeres”. Del resto, solo da información a cuenta gotas. Por ejemplo, de política. A la pregunta de si cree que Trump podría ser un Berlusconi a la americana, ella, que nunca ha rehusado papeles difíciles, responde con una carcajada, una mirada irónica y un escueto: “No hablo de esos temas”.

Sí se deshace en elogios hacia el mexicano Gael García Bernal con el que ha trabajado en la serie Mozart in the jungle, pero preguntada por su próxima colaboración en el esperado revival de Twin Peaks que se verá en 2017,  Bellucci vuelve a encerrarse en el mutismo y asegura que no puede hablar del proyecto con David Lynch, aunque, ante la insistencia, ríe y concede que “está preparada para enfrentarse a lo imprevisible del director”. Tampoco desvela detalles de un plan, anunciado por ella misma, para producir una película en México que “sería una nueva etapa en su carrera”. Se limita a sonreír, dueña no solo de sus palabras, sino también de sus silencios y, por supuesto, de su belleza.

Cecilia Ballesteros / El País

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